Licenciatura en Curaduría y Gestión de Arte

Ahora nuestra Licenciatura en Curaduría y Gestión de Arte tendrá también Turno Noche de 18.30 a 22 hs. para que puedas cursar en el horario que te quedé más cómodo ¡Conocé las materias que se sumarán al nuevo horario! 👉

El egresado tiene un amplio campo de acción pudiendo administrar bienes artísticos y culturales para generar exhibiciones de arte, así como también proyectar, dirigir y gestionar todo tipo de emprendimientos culturales y artísticos tales como museos, consultoras de arte, fundaciones, entidades públicas y galerías de arte.

El plan de estudios integra teoría y práctica promoviendo el desarrollo de profesionales críticos, conocedores del panorama actual del arte y su entorno.

ESEADE mantiene un vínculo permanente con entidades culturales y artísticas, ofreciendo la posibilidad de realizar pasantías en ferias, galerías de arte y museos.

ESEADE cuenta con un Espacio de Arte integrado al circuito de Palermo donde los alumnos realizan prácticas curatoriales.

La Licenciatura en Curaduría y Gestión de Arte no solo brinda los conocimientos imprescindibles sobre la historia del arte que todo profesional debe conocer, sino que también aborda aquellas cuestiones relacionadas al quehacer de la práctica curatorial. Contenidos sobre el derecho del arte, la conservación y restauración de las obras de arte, aspectos organizativos y de gestión, de montaje y peritaje son parte del trabajo diario en las organizaciones y emprendimientos artísticos. A la vez, los alumnos cuentan con una sala en donde pueden ejercitar lo que han ido aprendiendo, en contacto con artistas y otras personas del medio. El Espacio de Arte ESEADE forma parte del circuito de Gallery Nights Palermo y de la Semana del Arte de Buenos Aires, y en nuestro auditorio se realizan charlas, mesas y conferencias relacionadas con los temas que nos ocupan, abiertas al público en general. Incentivamos el intercambio con otras instituciones a través de exhibiciones, pasantías, colaboraciones en todas las áreas que nos competen y, a la vez, aprendemos de aquellos profesionales que nos brindan su tiempo y sus saberes, la experiencia que sólo se logra a través del tiempo.

Delfina Helguera
Directora del Departamento de Arte y Diseño

*Autorizada por MECyT. Resolución: Nº 2098/07

Curaduría, contextos y prácticas. ​Primeras jornadas de puesta en común y actualización profesional.

Abrimos las Jornadas en el con la presencia de TAIRONE BASTIEN Curador de la Bienal de Toronto 2019. Disfrutaremos 4 días de Talleres, Conferencias y Mesas redondas Consultá el Programa:

 

DÍA 1: Miércoles 17/10 – Sede MALBA (Av. Figueroa Alcorta 3415) de 15:30 a 17:30 hs.(estricta puntualidad) – INSCRIPCIÓN

CONFERENCIA DE APERTURA

Tairone Bastien, Curador de la Bienal de Toronto 2019

Presenta: Claudia Lala



DÍA 2: Jueves 18/10 – Sede ESEADE (Uriarte 2472)
♦TALLERES 

WORKSHOP I – Inscripción

10:00 a 12:30 hs – Florencia Qualina

Taller de lectura, escritura y pensamiento curatorial


WORKSHOP II – (CUPO COMPLETO)

10:00 a 12:30 hs – Renata Cervetto

Curaduría: entretejido de experiencias y plataforma de comunicación


WORKSHOP III – Inscripción

14:00 a 16:30 hs – Sebastián Vidal Mackinson
Del paisaje al territorio: el rol de la curaduría en la renovación de un género


WORKSHOP IV (CUPO COMPLETO) 

14:00 a 16:30 hs – Jimena Soria
Gimnasio de gestión. Herramientas y ejercicios para el desarrollo de proyectos


WORKSHOP V (CUPO COMPLETO) 

17:00 a 19:30 hs – Laura Hakel
Una habitación propia: pensar al espectador desde la curaduría


WORKSHOP VI – Inscripción

17:00 a 19:30 hs – Lara Marmor
Avatares de la curaduría independiente



♦MESAS REDONDAS, CONFERENCIAS Y MEDITACIONES


19:30 a 21:00 hs – Claudio Iglesias y Syd Krochmalny – Inscripción

Meditaciones sobre lo contemporáneo I
Loki, el curator

Presenta: Deborah Motta



DÍA 3: Viernes 19/10 – Sede ESEADE (Uriarte 2472)
♦TALLERES 

WORKSHOP VII – Inscripción

10:00 a 12:30 hs – Melina Berkenwald
Examinando la residencia de arte y su razón de ser

WORKSHOP VIII – Inscripción

10:00 a 12:30 hs – Florencia Malbrán
Crónica de un instante: arte latinoamericano hoy


DÍA 3: Viernes 19/10 – Sede Fundación PROA (Av. Pedro de Mendoza 1929)
♦TALLERES

WORKSHOP IX – Inscripción

10:00 a 12:30 hs – Cintia Mezza
Gestión de colecciones + Curaduría: una ecuación de relaciones interdisciplinarias



♦MESAS REDONDAS, CONFERENCIAS Y MEDITACIONES en Sede PROA


13:00 hs – Acreditación

13:30 hs – Apertura – Delfina Helguera y Cintia Mezza


13:30  a 15:00 hs – Malena Babino, Eugenia Garay Basualdo, Natalia March y María Laura Rosa – Inscripción
Investigación en curaduría: presentación de proyectos Eseade

Modera: Deborah Motta


15:00  a 16:45 hs – Guadalupe Chirotarrab, Nancy Rojas, Javier Villa y Santiago Villanueva –  Inscripción
¿Cuánto pueden decir las colecciones? 

Modera: Martín Legón


17:00  a 18:45 hs – Julia Converti, Agustín Diez Fisher, Teresa Riccardi y Santiago Bengolea –Inscripción

El desafío de la identidad institucional

Modera: Rodrigo Alonso


18:45  a 20:00 hs – Santiago García Navarro y Pablo Rosales – Inscripción

Meditaciones sobre lo contemporáneo

La banalidad del bien también

Presenta: Alejandra Aguado



DÍA 4: Sábado 20/10 – Sede Fundación PROA (Av. Pedro de Mendoza 1929)
♦MESAS REDONDAS, CONFERENCIAS Y MEDITACIONES


11:00  a 12:30 hs – Lorena Bossi, Marina De Caro y Catalina León – Inscripción

Gestión y práctica para el cambio social

Modera: Eva Grinstein


14:00  a 15:45 hs – Ariel Authier, Bruno Dubner, Carlos Herrera, Marcelo Pombo, Cristina Schiavi

                                   y Paola Vega – Inscripción

Curaduría por artistas

Modera: Lux Lindner


15:45  a 17:00 hs – Carla Barbero y Martín Legón – Inscripción

Meditaciones sobre lo contemporáneo III 

Autorretrato en un espejo convexo

Presenta: Jimena Ferreiro


17:15  a 19:00 hs (Sede PROA21) – Florencia “Hana” Ciliberti, Claudia del Río, Francisco Garamona,

                                                                    Juan Laxagueborde y Mariana Obersztern –Inscripción

Campos de fuga



CONFERENCIA DE CIERRE

19:00  a 20:00 hs (Sede PROA21) – María Laura Rosa – Inscripción

Activismo y curaduría, ¿una relación posible?

 


♦ Comité Organizador ♦


Dirección institucional

Delfina Helguera

Gestión institucional y producción

Claudia Lala y Gabriela Jurevicius

Diseño de contenidos y programación

Alejandra Aguado y Jimena Ferreiro

Coordinación ejecutiva

Joaquín Rodríguez

Coordinación Académica

Déborah Motta

Participación especial

Fundación PROA

Los artistas y la economía

Por Alberto Benegas Lynch (h). Publicado el 10/6/18 en https://www.cronista.com/columnistas/Los-artistas-y-la-economia-20180611-0014.html

 

En esta nota comienzo por señalar dos actitudes que parecen contraproducentes. La primera es la de no pocos pintores, escritores, actores, escultores, músicos, artistas en general y sacerdotes que naturalmente se ocupan de cuestiones sublimes pero que consideran todo lo vinculado a la economía con ruido a metálico, temas muy subalternos y más o menos despreciables.

 

Y aquí viene el problema: cuando se pronuncian por las condiciones de vida de la gente, un tópico que con toda razón consideran muy humano y digno de atención, arremeten sin quererlo contra todo lógica económica con lo que terminan por perjudicar gravemente a quienes desean mejorar.

 

Como la economía es contraintuitiva, es decir, lo primero que se concluye superficialmente está mal, se inclinan por lo inconveniente sin proponérselo y cuando alguien se les acerca con la intención de instruirlos, rechazan la conversación pues, otra vez, estiman que esos temas no son dignos de atención para un artista que está concentrado en asuntos de mayor jerarquía.

 

Entonces no hay salida hasta que se dignen prestar atención a  postulados básicos de la ciencia económica. Paradójicamente, muchos economistas preocupados por este malentendido, intentan aclarar temas cruciales, pero henos aquí que son tildados de economicistas.

 

Para acercar posiciones es menester que el economista también complete su formación con estudios sobre derecho, historia y filosofía. Sin embargo, irrumpen economistas solo abocados a estadísticas, curvas y gráficos que pretenden cuantificar lo incuantificable.

 

Recordemos las célebres palabras del premio Nobel en economía Friedrich Hayek en cuanto a que “Nadie puede ser un gran economista si es solo un economista y estoy tentado a agregar que el economista que solo es economista tenderá a convertirse en un estorbo cuando no en un peligro manifiesto”.

 

Dada la importancia y trascendencia de las diversas manifestaciones del arte y la llegada a un numeroso público debe realizarse un esfuerzo para conectar amistosamente los dos territorios mencionados.

 

Como queda dicho, por un lado despertar el interés en los fundamentos de la economía en lugar de despreciarla para así pronunciarse con algún rigor sobre asuntos que hacen al progreso del prójimo en campos sociales de gran calado.

 

Por otro lado, como también apuntamos, nuestra profesión debe exhibir facetas humanistas que constituyen el centro de las investigaciones del área en cuestión. Afortunadamente, en nuestro medio se ha recogido la larga tradición anglosajona de unir el derecho y la economía pues hasta no hace mucho los marcos institucionales y los procesos de mercado parecían algo así como nichos separados.

 

Ya sabemos que para muchos artistas temas tales como las ventajas comparativas o el teorema de la regresión monetaria les suena a materialismo puro, pero la economía antes que nada trata de la acción humana tal como se titula uno de los más sesudos tratados en esa disciplina.

 

Alberto Benegas Lynch (h) es Dr. en Economía y Dr. en Ciencias de Dirección. Académico de la Academia Nacional de Ciencias Económicas, fue profesor y primer rector de ESEADE durante 23 años y luego de su renuncia fue distinguido por las nuevas autoridades Profesor Emérito y Doctor Honoris Causa.

Henry Cartier Bresson en la Usina del arte

Por Delfina Helguera. Publicado el 15/3/17 en: http://www.arte-online.net/Notas/Henry_Cartier_Bresson_en_la_Usina_del_arte

 

La Usina del Arte a través del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires ofrece una exhibición de 133 fotos del padre del fotorreportaje organizada por la Fondation Cartier Bresson y la agencia Magnum. Del 21 de febrero al 2 de abril.

Henry Cartier Bresson antes de fotógrafo fue pintor, formado junto a los artistas surrealistas franceses y discípulo de André Lohte, quien fue también maestro de grandes artistas argentinos como Berni. Su experiencia junto a ellos y el entrenamiento del ojo lo llevó a buscar el “instante decisivo” en cada foto, ese momento en el que confluyen el ojo, el corazón y la mente en algo que no volverá a repetirse. Nació en 1908 y vivió hasta los 96, fue un testigo lúcido del siglo XX, estuvo presente en los principales conflictos bélicos como la Guerra Civil española, la Segunda Guerra en donde cayó prisionero de los alemanes, la entrada de Mao en Pekín, la muerte de Ghandi y fue el primer occidental en entrar a la Unión Soviética luego de la muerte de Stalin. Comenzó a sacar fotos a partir de 1931 con su primera cámara Leica a la que no abandonó nunca;  además fue dibujante, cineasta, poeta y andariego. Recorrió el mundo cuando aún no existía la globalización, fundó la Agencia Magnum junto a Robert Cappa, George Rodger y David Seymour  que definió un nuevo modo de trabajo para el fotoperiodismo con el apoyo al fotógrafo y no al medio que lo contrataba y la instauración del derecho de autor de cada foto.

Boston, Massachusetts, EEUU, 1947
© Henri Cartier-Bresson.Magnum Photos

La exhibición se divide en dos secciones, en la planta baja de la Usina las salas exhiben sus primeros años con una línea de tiempo que intercala los sucesos del mundo y su vida. Son fotografías más íntimas tomadas durante la década del ’30: escenas de calle, las de la Guerra Civil en España y un México cautivante. Reconocemos aquellas imágenes que ya se volvieron icónicas: el hombre que salta el charco en la Gare Saint Lázare, el picnic al borde del Río Sena por ejemplo. El dato para los interesados es que todas las copias son de época, no hay fotos digitales retocadas ni copiadas por otros. Y, como se sabe, Cartier Bresson al copiar no modificaba nada, la foto salía en papel así como él la había encuadrado.

El estallido de la Segunda Guerra marca un antes y un después en su vida y esto se refleja en la exposición espacialmente ya que las fotos de la siguiente década están situadas en las salas del Museo del Cine, contiguo a la Usina. Son fotos de su época de fotorreportero en donde recorre el mundo, más distantes, que se agrupan por región o tema, acompañados por palabras del autor. En una sala sus retratos, magistrales: el filósofo Jean Paul Sartre con su pipa en el Pont des Arts en Paris, el pintor Magritte en su estudio, el escritor Samuel Beckett cuyos ojos celestes traspasan al observador, entre otros. Todos sabemos lo difícil que resultan los retratos, y hay aquí una muestra de grandes hombres y mujeres que vivieron junto a él retratados para la eternidad.

Domingo a orillas del río Marne.Francia, 1938
© Henri Cartier-Bresson. Magnum Photos (1)

El hilo conductor parece ser la propia historia del siglo XX, un hombre que camina junto a los acontecimientos con una cámara como único testigo. Cartier Bresson decía “la cámara es para mi un cuaderno de bocetos, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, el maestro de la instantánea que, en términos visuales, pregunta y decide de forma simultánea.” Nadie como él describe mejor su trabajo: “Es por una economía de medios y, sobre todo, un olvido de sí mismo, que uno llega a la simplicidad de la expresión.”  Un fotógrafo que todavía influye en las generaciones actuales, una oportunidad ineludible de ver su producción en Buenos Aires.

 

Delfina Helguera: Es Licenciada en Letras (UBA). Ha sido co-representante de Sotheby’s filial Argentina. Socia fundadora de la Asociación Amigos de Malba. Dirige Lavinia Subastas de Arte. Es profesora de Curaduría I y de Mercado de Arte y es Directora del Departamento de Arte y Diseño en el Instituto Universitario ESEADE.

“La Ilusión de la vida retratos y caricaturas”

Muestra “La ilusión de vida: Retratos y caricaturas” de Andrea Toledo y Sebastian Martino.

La muestra “RETRATOS Y CARICATURAS” de los dibujantes Sebastián Martino y Andrea Toledo, resultado del trabajo de varios años de ensayos, incluye dibujos a lápiz, pinturas y trabajos digitales que reflejan la capacidad de estos artistas de generar climas mediante el manejo de la luz, y la actitud expresiva de los personajes.

 

Tracey Rose en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

Por Delfina Helguera. Publicado el 21/12/16 en: http://www.arte-online.net/Notas/Tracey_Rose_en_el_Museo_de_Arte_Moderno_de_Buenos_Aires

 

La artista sudafricana Tracey Rosa fue convocada por el Museo de arte moderno a crear una nueva obra que pudiera reflexionar sobre otra mirada de la humanidad con una mirada lúdica y aguda.

Tracey Rose es una artista sudafricana nacida en c en 1974, ha participado de la Bienal de Venecia y Lyon, en la última Bienal de San Pablo entre otras exhibiciones de importancia y ahora exhibe por primera vez en nuestro país. Son obras de sitio específico, pensadas para el contexto local, en un momento en donde en el museo se exhiben una serie de papeles inéditos de Antonio Berni y una muestra histórica de obras en papel de Pablo Picasso. Justamente para dialogar con muestras históricas es que el equipo curatorial del museo propone una exhibición de una artista contemporánea, en palabras de Victoria Noorthorn su directora “para balancear una mirada muy histórica y masculina y que tuviera un gran poder de enunciación”, y además la considera una de las grandes artistas de hoy. El foco principal de las obras en Rose es la reflexión sobre los abusos de poder del hombre con el énfasis en el apartheid, un proceso de segregación racial que estuvo en vigencia en su país hasta el año 1992.

La exhibición ocupa la gran sala del segundo subsuelo y simula ser un campo de juegos para niños, con una gran colchoneta para tirarse, un puente de colores que invita a cruzarlo y paredes pintadas por chicos. Esta elección es deliberada ya que la artista tiene un hijo pequeño que viajó con ella y su intención fue crear un espacio en donde los chicos pudieran jugar libremente no como en un espacio de museo.

Cueva de las manos en pleno montaje

La fuerza de la propuesta reside en su ambigüedad, nada es literal. En el centro de la sala la colchoneta es un gran continente de colores pastel, la Pangea, aquel que reunía América con África y otros continentes del mundo en una gran tierra, en el otro extremo replica la Cueva de Las Manos en la provincia de Santa Cruz en honor a los pueblos originarios en donde ha escrito los nombres las regiones del país con mayor índice de esclavitud, así como los barrios de Buenos Aires que registraron más esclavos en la colonia. En el centro un retrato a modo de caricatura de Adolf Hitler y Eva Braun en referencia a la teoría de que escaparon de Europa en un submarino y vivieron el resto de sus días felizmente en la Patagonia. El nazismo como concepción política de la que se nutre el apartheid, y las reverberaciones que ha tenido en la historia reciente.

La cabeza de Tsafendas

En una de las paredes laterales una gran escultura de arcilla que representa la cabeza de Tsafendas, el hombre que asesinó al creador del apartheid en 1966 y enfrentada a ésta un gran arco iris, el mismo que la artista vió dos veces en su vida, la primera de ellas fue cuando murió Nelson Mandela. La tensión se mueve entre el horror y la esperanza, entre la inocencia de la niñez y el espanto de lo que puede llegar a hacer el hombre. Los dibujos en la pared fueron hechos por Lwandle, el hijo de Rose y su amigo Tomás así como las pequeñas manos impresas en la cueva son de ellos y sus amiguitos. La producción de la muestra estuvo a cargo del museo, y la exposición fue gestada a partir de conversaciones entre Rose y Noorthorn durante un intenso año. Es interesante la posibilidad que se abre de traer artistas extranjeros contemporáneos que trabajen con materiales in situ, le aporta un aire fresco a la escena local y le brinda al público una experiencia distinta,

 

Delfina Helguera: Es Licenciada en Letras (UBA). Ha sido co-representante de Sotheby’s filial Argentina. Socia fundadora de la Asociación Amigos de Malba. Dirige Lavinia Subastas de Arte. Es profesora de Curaduría I y de Mercado de Arte y es Directora del Departamento de Arte y Diseño en el Instituto Universitario ESEADE.

32ª Bienal de San Pablo Incerteza Viva (Incertidumbre Viva)

Por Delfina Helguera. Publicado el 29/11/16 en: http://www.arte-online.net/Notas/32a_Bienal_de_San_Pablo

 

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El título de la 32ª Bienal de San Pablo propone mirar las nociones de incertidumbre y las estrategias ofrecidas por el arte contemporáneo para abrazarlo o habitarlo. Mientras la estabilidad es entendida como un remedio contra la ansiedad, la incertidumbre es generalmente evitada o negada. Las artes, sin embargo, siempre han jugado con lo desconocido. (Fragmento del texto de la Bienal)

La edición actual de la Bienal de San Pablo está curada por el alemán Jochen Volz y un equipo de co-curadores  conformado por la sudafricana Gabi Ngcobo (la acaban de designar curadora de la 10a Bienal de Berlín), la brasileña Julia Rebouças, Lars Bang Larsen de origen danés y la mexicana Sofía Olascoaga. Esta mención al equipo curatorial es pertinente ya que encontraremos sentido en la elección de los 81 artistas que la conforman con un foco en los brasileños, artistas nórdicos y algunos africanos que no son comunes en este tipo de escenarios. Hay también un número menor de artistas que en otras ediciones y un montaje más despejado,  lo que la hace más fácil de recorrer. Otro de los aspectos a resaltar es que el equipo curatorial mostró interés en incorporar tanto el Parque de Ibirapuera a la Bienal como a la gente que lo visita, durante el año 2016 varias actividades se planearon para acercar otras instituciones presentes en el Parque. El diseño de la exhibición utilizó al  jardín como elemento de inspiración, privilegiando la relación entre el adentro y el afuera, poniendo el foco en el paisaje circundante. Loa curadores describen su propuesta así: “Incerteza viva es construida como un jardín, donde temas e ideas están tejidos en un todo integrado, estructurado en capas, un intento ecologizador en sí mismo.”

El tema central de la incertidumbre está fuertemente ilustrado por obras que hablan de la ecología, el cambio climático, la voracidad del hombre ante la naturaleza y los conflictos que aparecen a raíz de esto. La ecología es un tema muy presente en el arte contemporáneo, ya notable en la última Documenta de Kassel del 2012 y en la generación de curadores y artistas en donde circula el equipo curatorial de esta edición. Junto a la cuestión ecológica se presentan temas candentes como las migraciones globales, la identidad de los pueblos originarios y la influencia del mundo civilizado en sus sistemas de vidas como es el caso del colectivo de artistas Video nas aldeas, que promueve el uso del video en las tribus amazónicas para que puedan ellos generar su propio retrato. Unido a este tema surge re-pensar el proceso de colonización,  se vuelve necesario en artistas como María Thereza Alves con una propuesta de encuentros que lleva de nombre “Descolonizando Brasil” en donde trabaja con tribus autóctonas el tema del conocimiento no incorporado a la enseñanza oficial y que sin embargo, forma parte de la identidad del país. La presencia de artistas africanos resuena también en esta línea, aunque es la artista portuguesa Grada Kilomba quien mejor trabaja esta materia a través de una video instalación que apela a los silenciados por el proceso colonizador.  Otro eje temático que surge del tema central de la incertidumbre es el del género y la identidad sexual. Se exhibe fotografías de Carlos Motta y su serie de objetos Hacia una historiografía homoerótica en donde Motta reflexiona sobre la opresión de la sexualidad nativa y el rol de la colonización.

Hay también, como es común hoy en día en las bienales, homenajes a artistas históricos brasileños revalorizados como al grabador Gilvan Samico con una serie exquisita de grabados, a Frans Krajcberg que también trabaja el tema ecológico con esculturas de maderas recuperadas que hacen de árboles, Wlademir Dias-Pino y Wilma Martins con una serie de dibujos y pinturas sutiles que tratan de la intersección entre vida privada y naturaleza. La video-artista Sonia de Andrade con una instalación de objetos encontrados y transformados llamada Hydragrammas. El artista brasileño Bené Fonteles oriundo de Pará presenta una casa a la manera de los nativos del pueblo Yanomami en donde recopila una serie de objetos que pueden condensar el espíritu de Brasil. Agora: Oca Tapera Terreiro propone que el espectador entre a experimentar. En la categoría de artistas brasileños más jóvenes  incluyeron a Erika Verzutti con tres paneles inmensos comisionados para la Bienal, blocks flotantes con inscripciones misteriosas que remiten a la tierra o a muros con huellas.

La presencia de artistas argentinos es poca aunque tampoco hay muchos artistas latinoamericanos, como suele haber en otras ediciones. Eduardo Navarro presenta un instrumento conectado acústicamente a una palmera del parque que está afuera, y hay una sala dedicada a Víctor Grippo con las instalaciones históricas de las papas: Analogía I de 1970 y Energía vital de 1977 en donde justamente Grippo reflexiona sobre el alimento americano y la relación del alimento con la capacidad de pensar y ser concientes, en un proceso alquímico que comienza en el cuerpo. Entre los latinoamericanos se destacan Kátia Sepúlveda (Chile) Rita Ponce de León (Perú) y Mariana Castillo Deball (Mexico). La artista de origen jamaiquino Ebony Patterson se sobresale por una serie de paneles con cuentas y cotillón que en realidad enmascaran la violencia hacia la juventud en su país natal. Artistas importantes del circuito mainstream solamente están Francis Alÿs con una instalación que incorpora el parque por medio de espejos y un video, y Pierre Huyghe con un video De extinction hecho especialmente para la bienal en donde empuja los límites entre realidad y ficción. No es posible reseñar la totalidad de las obras exhibidas en este artículo, solamente señalar algunas.

Victor Grippo

La ciudad de San Pablo acompaña a la Bienal en sus propuestas: en la Pinacoteca do Estado la exhibición de cuadros de Tarsila do Amaral perteneciente a la colección Nemirovsky y la colección de arte pop brasileño de Robin Wright y en las galerías sobresale la muestra que el artista Tunga dejó preparada antes de morir en Millan.

 

Delfina Helguera: Es Licenciada en Letras (UBA). Ha sido co-representante de Sotheby’s filial Argentina. Socia fundadora de la Asociación Amigos de Malba. Dirige Lavinia Subastas de Arte. Es profesora de Curaduría I y de Mercado de Arte y es Directora del Departamento de Arte y Diseño en el Instituto Universitario ESEADE.